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毫無疑問，終極奇襲戰，華晨宇拿下第一。
兩年《歌手》舞臺上這是第八次冠軍，華晨宇成為炙手可熱的奪冠熱門，卻也成為最具爭議的焦點：為何華晨宇總拿第一？
經歷七年之癢的《歌手》，以老牌歌手坐鎮見長，扶持新歌手踢館為亮點，無論是老牌江湖還是新手競爭，華晨宇總能衝出重圍。2018年，華晨宇憑藉《山海》《齊天》等兩首經典歌曲擊敗資深歌手成為四次周冠軍；2020年，同樣二次元歌手周深的高人氣下，華晨宇成功逆襲拿下四次周冠軍。當所有祝賀和質疑聲撲面而來時，懂得人挺身而出宣洩著喜歡的發聲，不懂的人仍舊沉浸不知所云的歌曲裡訴說著欣賞不來的吐槽。
這就是華晨宇的奪冠之路，滿腹驚喜卻荊棘叢生：懂得人自懂，不懂的人欣賞不了。既是華晨宇的質疑，也是華晨宇真正奪冠的原因——從不同風格里找到屬於自己的共鳴。
創意才是無冕之王的籌碼
2007年《快樂男聲》橫空出世，經歷四代年度總冠軍其他人銷聲匿跡，唯獨華晨宇一枝獨秀成為紅了七年的無冕之王，憑的是什麼？
作為藝人，作品是直觀衡量價值的評判標準，而華晨宇的火星人風格成為特立獨行的標籤。2018年的《歌手》，前有首發歌手汪峰，後有名噪一時的Jessie J，無論多少人拿著舊有作品歌唱還是原創亮相，華晨宇仍舊以主打火星風不變應萬變，兩首經典歌曲登臺讓華晨宇成為初生牛犢不怕虎的後起之秀。
根據西遊記孫悟空改編的《齊天》成為第一名的破冰之曲。《齊天》的原曲版本有很多，洛天依的京劇式古曲風說出男兒當四方的豪情，網遊趙京的《齊天大聖》道出我命由我定的壯言，他們無非唱出原著裡慣有的衷心護主英雄人物，然而華晨宇的《齊天》劍走，用高音rap娓娓道來桀驁不馴的另一面：帶我來為何不解我惑的悲情，所謂齊天大聖不過是一無所有的代名詞，同樣華晨宇式的海豚高音表達著我命不由我的吶喊與不公，從歌曲裡看見眾生的生活百態與人生無奈。
隨之而來翻唱《山海》，沒有延續草東用沉悶吐槽的無奈說不夠愛的悲傷，華晨宇用咬字技巧、炫幻風格講述柳暗花明又一村的開闊與輕快，透露著從無名小輩成長舞臺新秀的驚喜、無奈與迷茫。
與兩年前的翻唱不同，2020年的《歌手》以個人代表作的原創衝出新聲代的競爭。鬥破蒼穹的主題曲《寒鴉少年》沒有太多形式的花哨，反而卸下奇怪混搭風的曲調與饒舌，還原歌曲本身的孤寂與古風；強強爭霸的競爭中，選擇突破2000萬大關的《新世界》，用五年前的歌手《吶喊》填詞致敬浮華世界下的成長與堅持，就連最近成功突圍的《強迫症》在奇怪低吟淺唱或高聲燃爆中“MaMa”的另類與乖張完美呈現……
論二次元，周深的編曲功力已達歌王水平；論老歌派，蕭敬騰的輕搖滾也有後來居上的壓力，能讓華晨宇幾次加持第一寶座的迴歸歌曲本身與自我張揚。
正如《新世界》歌唱後的粉絲評論：五年光陰從山腳登上山頂，又從山頂從容下山的淡然。
很顯然，兩年的變化不再是簡單從翻唱到原創的選擇，也不再是無名小卒的成名不安到登上高峰的自我放下反思，更多的是“創意”，創意才是華晨宇立足歌壇的籌碼。
所謂的創意是稀奇古怪的曲風？是站在臺前另類的姿勢？不，這些並不是。縱觀華語音樂103年的演變，70年代譚詠麟的都市情歌已不再滿足大眾味蕾，高大帥氣的劉文正用近乎貓王誇張的舞臺風格被人追逐，留著長髮個性十足的羅大佑唱著真實生活的民謠批判帶來了華語歌壇的音樂革命……很顯然，能夠讓人喜聞樂見而受人追捧的好音樂有著三個特質：
個人的特立獨行
創作的寫實寫真
強烈的舞臺風
這三點，正是華晨宇具備的創意，也是快樂男聲後能紅極至今的原因。
從歌曲風格上，即便有高聲饒舌和奇怪低吟的風格模式，但創作過的搖滾風、說唱調、哥特風、抒情曲等都有著讓人眼前一亮的光點，也是感受創意最直接的方式。
在舞臺上，沉醉音樂的手勢和四下無人的另類專注，讓他有著獨屬個人的強烈風格，高聲也好專注也罷，所有人都被他控場的個性颱風吸引，感受藝術傳達的情緒：《我們》一鏡到底的特寫面部表情，聽著背後初戀的惋惜，《強迫症》舞臺上的話筒掌控感受爆發後的釋然。
在創作內涵上，華晨宇的歌曲故事反映浮華圈子的現實與真實，融合了出道七年來跌宕起伏的人生：《寒鴉少年》歌詞裡寫著“飛得再高也不要飄”的自傳，《與火星孩子的對話》就是寫給曾經同樣內向有才華的人，即便脆弱也值得被愛。如果沒有兒童時代的孤獨，也就不會有年少歷經風雨的洗禮，生活閱歷讓作品更深刻。
正如耳帝一語中的點出為什麼華晨宇總能得第一的原因：“天然舞臺表演風遠勝於唱片歌手的屬性。”
創意僅僅只是侷限於三種方式嗎？我想，同一首歌能有不同角度的思想，這本身就是一種創意。在所有人眼裡《齊天》就是桀驁不馴，可在華晨宇的眼中卻看到別人忽視的悲情一面；《山海》糾結於沮喪的情情愛愛，而在華晨宇的改編下有了開闊的人生詮釋。
所謂的創新，不拘泥於形式或風格，還有個人截然不同的思想，想別人沒想到的點，做別人沒做到的事，才是讓流行音樂經久不衰的重中之重。
情感共鳴才是圈粉的關鍵
“為什麼我欣賞不了華晨宇的歌”，成了他繼冠軍後第二個顯著標籤。
眾人聽不懂古怪又意味的曲調，無非是小眾，小眾是他最欣賞不了的表象原因。他迷幻的歌曲曲風確實不是人人都能欣賞得了，相比膾炙人口的網路神曲或傳遍大街小巷的流行音樂，華晨宇更傾向於原創獨立音樂人的格調。
顧名思義，獨立音樂人就是毫無組織純個人創作，但區別於商業唱片廠牌規模化運營，更傾向於標新立異的原創，擁有強烈個人風格的非主流音樂，另類、自我、感同身受成為他們最明顯的標籤。
以往獨立音樂人中，馬宇陽、陳鴻宇、牛奶咖啡都是清新脫俗的正統派，無論是《越來越孤單》還是《理想三旬》講的都是平常人人生迷茫與奮鬥，聽他們的歌能從裡面找到相見恨晚的代入感；如今網際網路越來越發達，網易抖音的獨立音樂人更傾向膾炙人口的輕鬆原創，以此緩解所有人生活之後的壓力。從小眾流行到席捲全網，獨立音樂人不同生存姿態都能成為流行趨勢反映了一個真諦：無論風格有多種，情感共鳴才是打動別人的關鍵。
這也是華晨宇能吸引部分人的原因，不同的人能從音樂裡看到不一樣的畫面，體會不一樣的情感。
《你要相信這不是最後一天》找到了跌落谷底也要學會與自己和解的答案，找到了往日自己的影子，從別人歌曲裡聽到了親情與愛情的故事，這就是情感共鳴。
情感共鳴因人而異，不是所有人都能聽曲找到屬於自己的故事，能從歌裡看到自己，能在歌曲中找到疑惑的恍然大悟，但明白的是聽年少時的華晨宇只聽到了青澀表達自己的個性，而立之年後再去回味卻有人生感悟的別有一番滋味。
正如華晨宇自己所說：“不用去思考我表達了什麼，而是你看到了什麼”。你從高亢的吶喊中看到了什麼？你又從饒舌的花樣中讀懂了哪些背後的故事？聽華晨宇的歌就像看魯迅的書，當年不懂華晨宇，再懂已是歌中人。
華晨宇的歌確實小眾，但流行趨勢卻是大眾。音樂只不過是溝通你我的橋樑，是音樂人傳達當下思想的媒介，透過音樂與肢體表達自我情緒的同時，也傳達了彼此的感情和感情之外的延續。
許多人從素人靠選秀一舉成名，只有屈指可數的人能走到現在熱度不斷，有些靠的是作品有些靠的是話題，華晨宇屬於前者。他毫不掩飾的敢於表達自我，用自己最舒服的方式做曲寫歌就足以證明遵循初心，面對非議能堅持自己七年並不是人人都能做到。
所以，不管是創意也好，還是情感共鳴也罷，在浮躁的快節奏社會里，數年如一日守住自我而不變，就足以體現了獨立音樂人真正的特立獨行。
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